2021-12-7 資深UI設計者
本次跟大家聊一個比較純粹的藝術風格，英文原名叫“Minimal Art”，為什么一開始就上英文呢，因為這個風格特別多不同的翻譯名，如果只看中文資料有時候你不知道原來不同書籍中談的是同一回事。
我列舉幾個常見的名稱，分別有“減少主義“、”極少主義“、”質樸藝術“、”ABC 藝術“跟”極限藝術“等，因為”Minimal“是極少的意思，所以不同的研究者根據理解作了不同翻譯。
極限藝術雕塑作品
這個藝術的特征是用極少的形式，極簡單的色彩，通過繪畫或者雕塑來表達一種周密的理念。
“ABC 藝術“這個名稱要特別說明一下，因為 ABC 是拉丁字母表開始的字母，有簡單初步的意思，而且順口，所以在運動初期就有人以這個名字來稱呼。
極限藝術繪畫作品
在我們的講述內容中，統一以“極限藝術“來稱呼。
大家對這個藝術相信比較陌生，因為確實是比較“脫離群眾“，史太濃可以列舉一個歷史作品拉近這種距離，那就是 1957 年在米蘭畫展上誕生的《純藍》，作者是法國藝術家伊夫·克萊因（Yves Klein）。
克萊因作品《純藍》
這個作品就是一張圖上鋪滿一片由克萊因自己混合的藍色，其它什么都沒有，但是這個藍色純凈得直擊心靈，藍得很理想，很絕對，展出后馬上引發轟動，克萊因跟他的藍色都一炮而紅，這個藍色就是后來大名鼎鼎的“國際克萊因藍”（International Klein Blue，簡稱 IKB）。
伊夫·克萊因
說到這里肯定還有朋友不甚了解，不過沒關系，這個“克萊因藍”誕生后曾經火遍過時尚圈，迪奧（Dior）、紀梵希（Givenchy）等大品牌都曾經推出過“克萊因藍”色的服裝設計。
迪奧曾經推出的“克萊因藍“包包
而在 2021 年時候，這個藍色又再復興，被不少設計師用于商業設計，比如知名設計師潘虎老師不久之前為植物醫生設計的產品包裝就采用了這個“克萊因藍”，效果非常驚艷。
植物醫生的產品包裝設計
克萊因當時的這個叫《純藍》的作品，就屬于一種極限藝術的一種。
“至上主義”繪畫作品
第二個端點就是在 1960 年代的美國，我們先從這里講會比較好理解，因為這個運動其實主要就發生在美國，在歐洲的影響都不算太大。
如果一直有看史太濃「風格列傳」的朋友就清楚，1950-60 年代的美國曾經有過“抽象表現主義”（Abstractexpressionism）跟“波普藝術”兩個重要藝術運動，而極限藝術的誕生跟兩者密切相關。
抽象表現主義風格作品
此處順便多說一句「風格列傳」的正確“打開方式”，就是每一個篇章的內容雖然各自獨立，但應該順著時間線順序來看，這樣會更加清楚很多藝術風格的承接關系。
因為極限藝術可以說就是針對抽象表現主義與波普藝術而發起的。
極限藝術陣營中的成員認為，抽象表現主義僅僅是表達藝術家一種瞬間的感覺，太不嚴肅，而波普藝術更是刻意要打破藝術中的高低雅俗，是反藝術的行為，這兩種運動對于藝術發展而言都有著高度危害性。
60 年代的波普風格作品
當然，這是極限藝術陣營的看法，所以它的誕生就是要明確的反對前兩者，并消滅他們。
極限藝術主張藝術創作必須通過精心設計，有周密計劃，而且作品必須是通過高度專業訓練形成的結果，類似抽象表現主義那種隨意性及波普藝術中的平庸商業感都是“垃圾“。
有了戰略目標隨之就是戰術考慮，于是極限藝術的成員們就從 1910 年代時候馬列維奇創作的《白上白》這個作品中找到形式的靈感。
馬列維奇作品《白上白》
馬列維奇曾經說過：藝術不為政府與宗教服務，不描述行為歷史，僅僅表達客觀對象，表明簡單的客觀對象可以存在，不依賴于任何東西。
這種理念被極限藝術者們十分推崇，聽上去也確實非常高端。
因此至上主義這樣極其簡潔的表現形式就成為極限藝術的首選，由此可見極限藝術在反對“抽象表現主義”的時候，其實也是從他們的源頭“抽象主義”那里分割出來。
馬列維奇作品《黑色正方形》
這種關系真心不好理解，我舉個宗教發展的例子，比如天主教中曾經分裂出東正教，隨后又再分裂出新教，但三者的主張不相同，而且新教是因為反對前兩者而誕生的，大致這樣，也許還不夠貼切。
極限藝術源自抽象主義還有兩個佐證，就是他們的思想根源除了靠攏馬列維奇，跟“風格派”（詳見「風格列傳」-風格派篇）中蒙德里安（Piet Cornelies Mondrian）的藝術思想也十分一致，蒙德里安認為藝術品被創作出來以前，必須在藝術家的頭腦中完全成熟。
蒙德里安的風格派作品
蒙德里安的繪畫藝術曾經被我們收錄進抽象主義的范圍進行講述，這里要補充一句，就是關于藝術流派之間的關系難以理清，通常每個研究者都只能是無限接近，或者說各自有一套歸納方法。
另一個佐證就是很多極限藝術家之前就是搞抽象表現主義的，我們后面會介紹一下，這種情況太常見了，比如很多后現代主義設計師是從國際主義陣營中轉變的，超現實主義藝術家很多從達達主義中產生。
我們在談抽象表現主義的時候講過一個分支，就是色域繪畫，其實跟極限藝術在形式上已經非常相似。
抽象表現主義中的色域繪畫
當然，極限藝術家們指責抽象表現主義與波普藝術的作品沒有思考是有些過分與不厚道的，等于說人家混飯吃，也等于一些甲方苛責設計師設計出品不上心一樣，這些其實都無法證明，只能是主觀感受或者是刻意發難。
那么，極限藝術在抨擊他人的時候，自身的表現形式有什么特點呢，我們接下來看看。
其實馬列維奇的至上主義具有很理性的本質，簡潔圖形的背后都有嚴謹的數學與幾何思維，這一點就屬于極限藝術的理論基礎。
馬列維奇
他跟馬列維奇是老鄉，構成主義跟至上主義有著師承關系，意思是構成主義的一些思路源自至上主義，兩種風格基本上是并行發展的，而構成主義更偏向設計這個端口多一些。
塔特林當時提出過一個藝術理念，就是：真實的空間感與真實的質感。
工作中的塔特林
這種理念跟至上主義一樣，都尊崇嚴謹的理性主義及數學思維，再形成審美品味，而且是一種比較曲高和寡的高度審美化。
塔特林的這個理念后來主要體現在極限藝術的雕塑作品中。
這里我想到了古龍小說中的小李飛刀李尋歡，他的武功特點就是不管對方怎么厲害，他都是一刀解決，所謂“小李飛刀，例不虛發”，沒有任何花哨的招式，一招致命。
《小李飛刀》又名《多情劍客無情劍》
確實是種深不可測的武功，這個時候我們再回看克萊因的《純藍》也許就是這種味道。
但如果你讓我說清楚《純藍》到底表達了什么，坦白說不可能，我不認為除了作者之外有人有資格談作品的創作概念，如果談都是扯淡居多，賞析沒問題，可以談感受，或者揣摩作者想法。
克萊因作品《純藍》
但有一點可以肯定，克萊因調出這個顏色花的功夫費的心思不亞于愛迪生研究他的電燈泡。
極限藝術正式的開始被定義在 1959 年，當時美國紐約的現代藝術博物館舉辦了一個畫展，一名 23 歲名叫法蘭克·史提拉（Frank Stella）的青年藝術家展出一張名為《16 個美國人》的作品。
史提拉作品《16 個美國人》
作品畫面空空如也，只是黑色畫面上有簡單白色直線條，非常耐人尋味，但產生很大影響，極限藝術第一槍就這樣打響，或者說浮出水面，開始逐漸形成流派與理論。
這個風格另外還有兩位重要奠基人，分別是巴涅特·紐曼（Barnett Newman）及阿德·萊因哈特（Ad Reinhardt），兩人最初也是活躍于抽象表現主義陣營，后來投身到極限藝術的探索。
紐曼與萊因哈特
先說一下紐曼，他在美國屬于波蘭的移民，生于 1905 年，1922 年開始學習繪畫與藝術，1930 年代之后逐漸全職從事藝術創作。
1948 年時候，43 歲的他創作了一張名為《溫曼一號》（Onement 1）的繪畫，畫面就是黑紅的底色上畫了一條橙黃色條紋，非常簡單，屬于極限藝術的潛伏期作品。
《溫曼一號》
紐曼從這個作品開始就一直以這種風格進行創作，他的作品尺寸非常大，而且幾乎都是一個底色上畫些橫線或者畫些豎線，然后就沒有然后了。
所以當他在 1950 年開始搞個展的時候引發藝術評論界的批判，因為也有混飯吃的嫌疑，直到 1960 年代極限藝術理論體系逐步完善，而且有走紅跡象的時候評論界才改變對他的態度，轉而將他奉為極限藝術的大師。
紐曼的極限藝術繪畫作品
所以有時候，成也媒體敗也媒體，評論界有一部分評論家對藝術的評價常常見風使舵，針對自身利益出發，比如希望吸引大家注意力，就像如今很多吃“人血饅頭”的自媒體。
不管如何，60 年代的紐曼成名了，然后他的作品影響另一位藝術家，那就是前面談到的另一位奠基人阿德·萊因哈特。
萊因哈特比紐曼年輕 8 歲，生于 1913 年，早年從學習設計轉而進修藝術，1937 年到 1947 年期間都是抽象表現主義流派的成員。
他的早期作品色彩鮮艷明亮，有著硬邊幾何的形式風格，有點像立體主義，也像風格派。
萊因哈特早期作品
1950 年代開始他就將自己的創作形式變得越來越簡單，比如將作品限制在單色范圍，而到了 1960 年代，因為紐曼的影響，他堅決投身于極限藝術的創作中。
他的作品開始表現變得更加極致，大部分都是采用不同明暗程度的黑色長方形進行重疊，非常單純，如果用前些年比較流行的網絡語句來形容看他的畫，就是“看了個寂寞”。
萊因哈特極限藝術繪畫作品
萊因哈特除了創作之外，熱心于通過寫作及演講來推廣極限藝術，產生不錯的效果，所以大家將其視為極限藝術的奠基人之一。
極限藝術除了在繪畫中表現，還有一個重要載體是雕塑。
有些從事極限藝術的藝術家本身橫跨繪畫與雕塑兩個領域，其中最突出的就是法蘭克·史提拉（Frank Stella）。
法蘭克·史提拉
他被譽為美國最知名的極限藝術大師，原因在于他的作品有強烈個人特色，早期主要進行繪畫創作，隨之轉向雕塑與裝置，正是雕塑作品讓他成了大名。
史提拉成大名的原因在于他反其道而行，不是采用“少即是多”（Less is more）的原則，而是“多即是少”（More is less），將作品做得非常繁雜。
史提拉的繪畫作品
這里很多朋友就奇怪了，那不是跟極限藝術中的“極少”產生矛盾嗎？所以史提拉是將極限藝術拔高到哲學高度，讓人產生深刻的思辨。
情況如同硬幣的兩面，如果在一張白色畫紙上只畫上一筆黑色，大家的注意力就只集中黑色，但當黑色的筆畫不停增加，直到最后只剩下一小片白色底色時，大家則變成關注白色，所以“以少見多”變成了“以多見少”。
史提拉的繪畫作品
再比如一個人最開始只擁有一個專業身份的時候，他感覺很少，但其實因為這種少形成的專注讓他擁有更多，分別是專業領域深度上的多跟時間自由上的多，因為專業上的極致能讓回報更大，越到后面越輕松自如，能騰出更多時間放在生活。
而當身份越來越多自以為擁有更多時，因為散焦反而讓收獲更少，疲于奔命失去生活。
史提拉的繪畫作品
舉個更現實的例子，當你買多一部車或者買多一套房子的時候，確實物質的擁有多了，但會相應產生一系列更多的問題，比如忙于車的停放、保養、改裝，俱樂部活動。
擁有多一套房子就要多思考新的裝修，擺設，還不得不做更多工作還貸，所以這時候“多”與“少”讓人迷惑，根本無法分辨清楚到底是多還是少。
史提拉在這方面最著名的雕塑作品是 1990 年創作的《梅杜莎之筏·之一》（法國浪漫主義畫家席里柯有同名作品《梅杜莎之筏》）。
史提拉作品《梅杜莎之筏·之一》
這個作品使用一個堅固的金屬支架，橫向支撐出一大堆支離破碎，纏繞在一起的金屬片、金屬線與金屬構件，看上去就是一團亂糟糟。
史提拉對這個作品沒有作任何解釋，他說作品沒有象征意義，沒有隱喻，所有內容與思想都在作品本身，大家只需要觀察，這一點倒是很符合前面談到的塔特林藝術理念，就是：真實的空間感與真實的質感。
史提拉的其它雕塑作品
其他極限藝術的雕塑作品則跟主流的極限藝術繪畫差不多，都是用最少最簡單的形式進行創作。
比如卡爾·安德勒（CarlAndre）在 1969 年創作的《鎂和鎂》（Magnesium-Magnesiumplain）,其實就是用 30 厘米見方的鎂金屬以 6*6 的數量（有一個版本是 12*12）鋪在地上，簡單到不得了。
安德勒作品《鎂和鎂》
展覽過程中也沒設阻擋，所以經常有觀眾很自然的從上面走過，以為是金屬地板。
安德勒的創作特點就是喜歡采用現成品以數學的韻律進行不同方式的組合、排列、堆砌形成簡單的雕塑，大部分是金屬片材、磚頭、木塊等。
安德勒與他的雕塑作品
還有一位知名的極限藝術雕塑家名為羅伯特·莫里斯（Robert Morris）。
他在 1988 年時候創作名為《艾爾斯》（The Ells）的雕塑作品，其實就是三個 L 字形狀的鐵籠用非對稱的方法進行擺設。
莫里斯作品《艾爾斯》
莫里斯有時候也很喜歡采用圓形進行創作，這種幾何中最基本的形式被很多極限藝術家喜愛，因為圓形統一又簡單，同時具有飽滿的形式特點，他的作品常有這種元素。
莫里斯極限藝術雕塑作品
極限藝術的雕塑情況大致如此，余不一一。
極限藝術其實發展到如今都仍然存在，但聲勢明顯變得比較弱，因為他主力反對的抽象表現主義及波普藝術都衰退了，等于也失去發展的著力點。
現代家居中的極限藝術裝飾畫
情況就如同商業市場，百事可樂需要可口可樂的存在，麥當勞需要肯德基的存在，所謂遇強越強，對手變弱甚至消失，也會讓自己也不再進步甚至消亡。
我們如今還經常會聽到設計中的 “極簡主義”，其實并非完全一回事， “極簡主義”更多是種延展的設計概念，還是屬于基于功能問題為基礎的形式考慮，而極限藝術不需要考慮任何功能。
極限藝術海報《皮爾斯怪獸公司》
在一些概念海報，裝飾畫或者公眾裝置藝術中極限藝術仍然適用，至于怎么才能真正用好，這期分享相信一定對你有所幫助。
文章來源：優設 作者：設計史太濃VS遠麥劉斌
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